日々の音色とことば:

移転しました。新URLはhttp://shiba710.hateblo.jp/です。ここは更新されませんがアーカイブを置いておきます
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『おおかみこどもの雨と雪』が描いた母性について

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『おおかみこどもの雨と雪』を観た。






(以下、ネタバレ要素は含んでいませんが、作品に関して全く情報を持たずに鑑賞したいという方は気をつけてご覧ください)


なんだか、とても温かいものを受け取ったような感覚。それが第一印象。そして、感服したのは王道のエンタテインメントとしての堂々とした完成度だった。細田守監督がどこまで意識したかはわからないけれど、『となりのトトロ』や『もののけ姫』に匹敵するような、後々まできっと日本人の文化的DNAに刻み込まれるような傑作だと思う。

こないだの『サマーウォーズ』がそうだったように、映画はきっといずれテレビで繰り返し、繰り返し放送されるだろう。その時その時の親子が、“おおかみこども”に出会うだろう。でも、この映画を映画館で観るべき理由が、一つだけある。

それは、このお話がどこか遠い国のファンタジーではなく、2012年の「今、ここ」を舞台にしている、ということ。

「人間であり、オオカミでもある“おおかみこども”の成長や自立、子育てに奮闘する母の13年間を丁寧に描いた作品」



それが、『おおかみこどもの雨と雪』のストーリーだ。気になるのは、その「13年」が一体いつからいつまでの「13年」なのか、ということ。その答えは作中には明示されてはいない。けれど、あるアイテムに着目して注意深く見ると、それが大体いつのことであるのか推測できる。詳しくは映画を観た人が発見してほしいけれど、少なくとも、この映画はどこか遠い国のお伽話ではない。『コクリコ坂から』や『三丁目の夕日』のような「かつての(幻想の)日本」でもない。

細田守監督は、『サマーウォーズ』でも、劇中に登場する「上田わっしょい」という祭りの開催年月日を「平成22年7月31日」と、わざわざ記していた。おそらく、監督は意識的に映画に時代性を焼き付けている。


そして、主人公の花は“おおかみこども”をどう育てたか。大事な台詞が、予告編に取り上げられている。



「みんながオオカミを嫌っても、おかあさんだけは、オオカミの味方だから」


この言葉が、映画をつらぬく「母性」を象徴している。世界中を敵に回しても、最後まで子供の側に立つのが母だ、という。子供にとっての「戻ってこれる場所」が母親なのだ、という。

そして、花の母親としてのスタンスは、一時代前にあったような「いい学校に進んで、いい会社に入って〜」というようなものとは対極だ。子供の進むべき道や、子供にとっての幸せを、母親である自分が決めたり、押し付けたりするようなことはない。それが母としてあるべき姿なんだと、花は物語を通して気づいていく。

“おおかみこども”はあくまで架空のキャラクターだけれど、それを一つのメタファとして捉えると、いろんな人が「これは自分の物語だ」と思いながら映画を観ることができると思う。そのことが、この作品をとても感動的なものにしている。


そして何より素晴らしいのが高木正勝さんの音楽と、アン・サリーさんが歌う主題歌「おかあさんの唄」。劇中に流れる音楽の包み込むような柔らかさと優しさが、そしてアン・サリーの温かい歌声が、「花=宮崎あおい」の物語であった映画を、あまねく「おかあさん」の物語にしていると思う。



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「DOCUMENTARY of AKB48 Show must go on 少女たちは傷つきながら、夢を見る」について

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「DOCUMENTARY of AKB48 Show must go on 少女たちは傷つきながら、夢を見る」について、



ライムスター宇多丸さんの「ザ・シネマハスラー」
http://www.tbsradio.jp/utamaru/2012/02/218_documentary_of_akb48.html
で熱く語られているのを聴いて、「観ておかないとな」と思って、TOHOシネマズ渋谷で観てきた。公演終了のギリギリのタイミング。


端的な感想を言うと、とても面白かった。AKB48のコアなファンでなくとも、画面を通してにじみ出てる“リアル”を感じ取れるドキュメンタリー映画だ、というのが第一印象。宇多丸さんの言葉を借りるなら、間違いなく「今一番売れている人が、一番攻めてる」ことを如実に示している。アイドルを支えている構造が必然的に持っている残酷な側面、今までどんなアイドルもオフィシャルには見せなかった裏側を、さらけ出してしまっている。

2011年のAKB48の活動を追った作品の柱は、主に四つ。「震災以降、東北を何度も支援に訪れるメンバーと、仙台で被災した研究生」「第3回総選挙」「西武ドーム公演の1日目、2日目」「チーム4の発足と謹慎問題」。被災地の風景も盛り込みながら進んでいく全体のストーリーの軸は「3・11」に沿っているのだけれど、ハイライトはやはり「西武ドーム公演」。ここでメンバーに容赦なく課せられる「負荷」にある。

はっきり言って、文句なしに壮絶。戦場と言っても過言じゃない。1日目は舞台裏の動線や指示が混乱している様が映し出される。終演後に秋元康がメガホンを手に「今までで最悪の公演でした」と言い放つ。ここも宇多丸さんの言葉を借りるけれど、ここで物語上、舞台監督などスタッフ側の不手際は不問にされている。そのダメさは「メンバーが乗り越えるべき試練」として描かれ、深夜の暗がりの中チームAのメンバーがダンスを練習したりする。

そして2日目。全員が気合を入れて望むのだが、こんどは当日のリハーサル段階から前田敦子があまりの重圧のために過呼吸で倒れる。直前で何とか回復するも、いつ再び倒れてもおかしくない限界状況の中、開演。中盤、先の総選挙でセンターを獲得した“フライングゲット”を歌うためにギリギリの体調でステージに現れたものの、明らかに呼吸がおかしい。それを隣の高橋みなみが(客席にはあくまで笑顔を見せつつ)深呼吸するようそっとサポートする。

前田敦子だけでなく、ステージが進むに連れて他のメンバーたちもどんどん倒れていく。熱中症で動けなくなり、過呼吸で胸を抑え、氷嚢と酸素吸入器で意識をつなぐ。アンコール前には大島優子も、そして全員を支えてきた高橋みなみもくずおれてしまう。

そんな中、「アンコール!」という大観衆の声援が、彼女たちを駆り立てる。


そういう、肉体的な負荷の極限としての西武ドーム公演を、メンバーに容赦なく降り注ぐ精神的な負荷としての「総選挙」と「謹慎問題」が挟む。そういうギリギリのところで「頑張っている」アイドルが、被災地の子供たちを励ますという構成。


これを観てどう感じるかは、それぞれの自由だと思う。感動する人もいるはずだと思うし、ちょっと受け入れられないと思う人だって当然いると思う。僕が強く思ったのは、以下のこと。

AKB48を自殺対策強化月間の啓発キャンペーンのキャラクターに起用したという内閣府は、このドキュメンタリーを観ても、本気でそう思えるのか!?

ということ。

もちろん重圧に押し潰されそうになりながら、重荷に耐えながら、孤独に向き合いながら、「傷つきながら夢を見る」少女達の姿はすごく美しいとは思う。そして、基本的に「多人数参加型のゲーム」として設計されたAKB48というシステムが結果的な一人一人のポテンシャルを高く引き出しているということには強く同意する。

でも、それと「自殺対策への起用」は別だろう、と思うのだ。

「今を生きるアイドルの素顔から、日本の未来が見えてくる」

というキャッチコピーで、ここまで残酷に「踏み込んだ」ドキュメンタリーを見せているのが、今のAKB48だ。「死ぬ気でやろうぜ!」と円陣を組んで激を飛ばす高橋みなみの侠気はちょっと身震いするくらい格好いいし、「私のせいで」と過呼吸のなか自責を繰り返し、無理をおして周囲から止められてもステージに立とうとする前田敦子の姿も胸に迫る。

でも、それって見方によっては、過重な労働環境の中、自分の体力と精神力を削って思いつめてしまう人たちの合わせ鏡とも捉えられるわけで。

どっちかと言うと、そういう人に届くべき言葉は「限界を超えようぜ」よりも「しんどかったら逃げだしてもなんとかなるよ」の方だと思うので、むしろAKB48というシステムを離れてもそれなりに上手くやってる“元メンバー”あたりを起用したほうがいいんじゃないの?とか、思ったりもしてね。


東京失格 LOST IN TOKYO

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東京失格東京失格
(2008/08/22)
関口純KYPCAHT

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古い友人でもある井川広太郎監督の初作品『東京失格』がDVDリリースされた。

バンクーバー、ロッテルダム、ソウルなど各国の映画祭にノミネートや招待もされているというこの作品。公開からは2年経ったけれど、今でも少しずつ反響を巻き起こしている。

僕は今までに2度、この映画を観ている。最初は監督に渡されたまだラフな編集段階のもの、そして次はちょうど2年前、2006年の夏・下北沢シネマアートンにて。

最初に観たときは、率直に、「なんて何も起こらない映画なんだろう」と思った。親友を亡くした二人が、飲み明かし、騒ぎ、家に帰れないまま、夜から朝へ、そしてもう一度夜へ、東京を彷徨い続ける。ストーリーの起伏はない。ただダラダラと、時間が過ぎていくように見える。

けれど、劇場の大きなスクリーンで観たときに、その「帰れない時間」の静かな鮮烈さがゆっくりと伝わってきた。満開の桜の花。雲が掛かった川べりの白い空。深夜の車の中のわずかな光に照らされた横顔。

最初の方のシーケンスで印象的な台詞がある。

「大丈夫?」

「大丈夫だよ」


というちょっとしたやり取り。その場では飲み会での「飲み過ぎてないか」くらいの軽い確認だったはずなんだけれど、ラストシーンに近づくにつれ、その言葉の本当の重みが露になってくる。そして、ざらついた問い掛けが後に残る。

〈果たして、自分は、何かを置き去りにしてきてはいないだろうか。〉

「lost in tokyo」という副題のせいもあっただろうか。僕はこの映画を“喪失”にまつわる物語かと勝手に思っていた。でも、そうではなかった。ロードムーヴィーの形をとりながら、ある種の「決着のつかなさ」について、ゆっくりとあぶりだしていくような映画だった。

観終わった後に、何か言葉にし辛いものが心に貼り付いているかのような余韻を残す作品。他の人がどんな風に思うか、感想を聞いてみたいな。


『非現実の王国で ヘンリー・ダーガーの謎』

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映画『非現実の王国で ヘンリー・ダーガーの謎』公式サイト
http://www.henry-darger.com/

3/29からシネマライズで公開されている映画『非現実の王国で ヘンリー・ダーガーの謎』を見に行った。

1892年シカゴに生まれてから1971年に81歳で亡くなるまで、唯一人で誰にも知られることなく壮大な叙事詩を描いていたヘンリー・ダーガーの生涯を追うドキュメント。とはいえ、生前の彼の生活を示すような資料はほとんど残っていない。写真も3枚ほど、その名前の発音すらも「ダーガー」か「ダージャー」かはっきりしていない。施設で育ち、教会や病院の清掃夫としてひっそりと暮らしていた彼。人と交わることを嫌い、自分の部屋に引きこもっていた彼のことを、周囲は単なる「変人」としか思っていなかった。

しかし、彼の部屋の中には15000ページを超える小説の草稿と、数百枚に及ぶ巨大なサイズの挿絵が遺されていた。それが、「非現実の王国で」と名付けられた、彼だけの物語。19歳から亡くなるまで、生涯をかけて幻想の世界を築き上げていた。

映画は、現存する当時の隣人や関係者へのインタヴューと、彼が残した日記と自伝、そして物語をクロスさせるような形で進行していく。そして、映画の視点自体も、時が進むにつれて現実と非現実がごちゃ混ぜになってくる。彼の生い立ちを追っていく最初の頃にはまだ客観的な視点が保たれていたが、次第に虚構の世界が現実に侵入してくる。当時のシカゴの街の発展を伝える観光ビデオに、彼の物語の主人公である「ヴィヴィアン・ガールズ」が現れたりする。

両性具有の裸の少女たちを、ときには羽根や角をもった異形の存在として、何枚も何枚も描き続けてきた彼。まあ、言ってしまえば立派な変態ではある。きっと今の日本に生まれていたら同人作家になってただろうなあ、という気がするし、世が世なら児童ポルノでしょっ引かれていたかもしれない。

ただ、彼の環境が「閉ざされていた」だけに、その絵は観る者を惹きこむような不思議なアートとしての力を持ち得たのではないだろうか。誰にも絵の描き方を習わず、新聞の写真や童話のイラストからの見よう見まねで、チラシや包装紙を貼り合わせた巨大なキャンバスに絵を描いていった彼。その絵はどことなくバランスを欠いていて、不吉な印象すら与える。

晩年、救貧院に移されたことで自室の絵画や小説を大家に見られたことを知った彼は、「もう手遅れだ」とだけ話し、口をつぐんだという。彼が作り上げた虚構の世界はあくまで彼自身だけのものであり、彼にとっては現実の人生以上に「現実」だったのだろう。

そういう人生をまるで追体験するかのような映画。観終わったあとに、奇妙な酔いのような感覚が、残っていた。


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